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viernes, 9 de diciembre de 2011

Pintando la patria - Dibujo de Franco Barrotti

Hace pocos días estuve en Colonia (Uruguay) y tuve oportunidad de ver una exposición de dibujos de chicos, titulada PINTANDO LA PATRIA.


Por lo que pude leer en la web, el dibujo que aquí muestro es uno de los cuarenta mejores que fueron presentados en el concurso, pero no ganó premios.

Sin embargo, a mi criterio, es EL MEJOR DE TODOS; y el manejo de la retórica que hace Franco es extraordinario en un botija de su edad.

¡Felicitaciones FRANCO BARROTTI!

Además, gracias a la gentileza sin igual de la Srta. Beatriz –que atiende al público en el Shopping de Colonia, donde estuvo la exposición– tuve la posibilidad de tener en mis manos el dibujo y de ver el dorso, que es éste:
 

martes, 7 de septiembre de 2010

BARCELONA - Museo Frederic Marès

El Museu Frederic Marès ocupa una part de l’antic Palau Reial Major, residència barcelonina dels monarques de la Corona de Catalunya-Aragó des del segle X fins al segle XV.

Fiel a mi costumbre, no diré aquí nada que sea fácilmente localizable en cualquier sitio de internet, pero sí quiero comentar que en el Museu Frederic Marès, que está junto a la Catedral de Barcelona, está expuesta, entre muchas otras curiosidades, la mayor colección de arte sacra que he visto en mi vida –y eso que siempre ando pispeando museos–.

Y la curiosidad que viene a cuento, es la siguiente:

Entre una casi incontable colección de piezas, descubrí una talla policromada de la Virgen y el Niño, en la cual la Virgen tiene una sola teta, en el centro del pecho.

Ésta es la foto:



Además, vale la pena ver el resto del museo.

Aquí dejo un enlace a la página oficial.

jueves, 19 de agosto de 2010

(ESP) A Coruña - Fuente de la Bola

A Coruña, que es el nombre oficial y en gallego de La Coruña, es una importante ciudad de Galicia, ubicada en el noroeste de la península ibérica, en las Rías Altas.

Me llamaron la atención su edificación moderna, su hermoso puerto y sus espacios verdes -aunque la verdad es que Galicia es toda verde...-. Es una ciudad muy bonita, de verdad.
Pero como mi gusto no es comentar datos que cualquiera puede encontrar en miles de páginas de internet, sino curiosidades, voy a contarle aquí lo que encontré en el Parque de Santa Margarita.

El parque está ubicado en el centro geográfico de la ciudad, así que no hay excusa para no ir a conocerlo. Es enorme -de casi 52.000 metros cuadrados-, tiene una arboleda impresionante, está lleno de pájaros, y es bellísimo.

Hay allí un museo interactivo, la Casa de las Ciencias -que sólo pude ver de afuera porque estaba cerrado-, esculturas, hórreos...
Los hórreos son construcciones tradicionales de Galicia y de Asturias, utilizadas para guardar granos.
Uno de los hórreos del parque es del siglo XVI. Está construido en piedra -excepto la puerta- y, como todos ellos, está montado sobre pilares. Fíjese bien en la forma de los pilares: son así para que las ratas no puedan trepar al granero.
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Yo fui incapaz de recorrer todo el predio, en parte por cansancio y en parte porque me entretuve dándoles de comer a los pajaritos; pero pude encontrar la curiosidad que había ido a buscar...

...la joyita del parque que, a mi entender, es la Fuente de la Bola.
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Se trata de una pieza esférica maciza, de granito, montada sobre una base por la que mana agua a presión. La esfera tiene un diámetro de aproximadamente un metro y pesa alrededor de 1.5oo kilos. Pero esos datos no serían nada especial si no fuera porque hasta una persona muy delgada -como yo- puede hacer rotar la esfera en cualquier sentido casi sin ningún esfuerzo.

Por favor, no me pregunte cómo es posible, pero es tal como lo cuento. He leído que ese tipo de construcción se conoce como estructura rapakivi, pero la verdad es que no sé por qué se llama así ni qué significa el nombre.

Sólo sé que vale la pena verla... y probar de moverla.

miércoles, 24 de junio de 2009

Gardel, el zorzal criollo

Hoy, 24 de junio, hace 74 años que murió Carlos Gardel. Los detalles de su vida y de su muerte son conocidos, y no sabría agregar nada que no se haya dicho ya. De modo que, para evocarlo, lo mejor es el silencio, y escucharlo a él...
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Aunque, pensándolo mejor, sí quiero decir algo: que no me importa si es uruguayo, argentino o francés. Para mí, los mitos son universales.

sábado, 7 de febrero de 2009

(MEX) Esculturas de Alejandro Colunga, en Guadalajara

La Sala de los Magos

Dedicado
a mi amiga guadalajareña,
Rosario Loyola,
que buscó la filiación
de las esculturas.

Guadalajara es una ciudad muy agradable, con un sinnúmero de iglesias y obras de arte repartidas a lo ancho y a lo largo. Pero no he de decir mucho aquí, pues hay suficiente información en la web.

Solo voy a mostrar fotos de una obra que vi en la plaza seca que está frente al Instituto Cultural Cabañas –antes, Hospicio Cabañas–.

Y quiero mostrarlas porque me parece que la obra no es muy conocida y merece difusión, puesto que es artísticamente valiosa.

Se trata de un grupo escultórico muy atractivo, pero no existe ningún folleto ni tarjeta explicativo y casi nadie –me refiero a los vecinos de la ciudad– sabe quién es el autor.

Solo en el Instituto Cultural Cabañas proporcionan ese dato, y conseguirlo fue precisamente lo que hizo mi amiga Rosario, a quien desde aquí vuelvo a agradecerle la gestión.
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Esta es una de las piezas del grupo, cuyo conjunto está formado por una mesa baja (mesa ratona, le llamamos en la Argentina) con sillones y sillas alrededor, como si se tratara de la sala de recibo (living) de una casa.

EL GRUPO ESCULTÓRICO SE LLAMA
“LA SALA DE LOS MAGOS”
Y ES CREACIÓN DEL ARTISTA GUADALAJAREÑO
ALEJANDRO COLUNGA.



Por falta de datos más confiables, he tomado información de internet.

Así, según Wikipedia, Alejandro Colunga nació en Guadalajara, Jalisco, el 11 de diciembre de 1948, y es reconocido principalmente por sus trabajos de pintura y escultura.
Y en otra fuente (cuya URL no anoté y por supuesto no recuerdo) dice que en 1994 recibió el “Premio Jalisco a las Artes” y el “Premio de Arquitectura”, en la categoría de espacios abiertos, por las esculturas que aquí muestro.
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Agrega esa fuente que cada una de las piezas tiene un nombre, a saber: "El sofá", "La silla móvil", "La silla sorda", "El Love Seat" y "La mesa de los amigos" (de la última mencionada no tomé fotos –no recuerdo por qué razón–) y en cuanto a las otras, no podría afirmar categóricamente cuál es cuál, pero pienso que el lector podrá deducirlo…

En fin, espero que le hayan gustado, y que si viaja a Guadalajara se dé un vueltita para verlas (están muy cerca del centro). Creo que, si le gusta el arte, no se arrepentirá...

miércoles, 28 de enero de 2009

El “otro” Coloso, de Goya (II)

Enigmático y fascinante es el otro gigante de Goya, el de la estampa, también titulada “El Coloso” (h.1810-18), una aguatinta que está en la Biblioteca Nacional de Madrid.

Desnudo, sobre una superficie indefinida, mira al firmamento.
Figura y paisaje remiten a una imagen cósmica.
Nada hay aquí narrado, tal vez por eso su intensidad dramática es superior a la de la pintura (?) –digo yo, que me contagié los puropico–.

Y aun si llegaran a descubrir que no es de Goya, mantendría mi opinión.
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(Ya me dijeron en este blog que si pretendo homenajear a Goya debo leer mucho antes, estudiar, aprender a escribir, y aprender, en especial, a no decir estupideces; pero por lo visto no entendí bien el mensaje –el comentario está al final de la nota más antigua de todas, la de “inauguración” – digo, para que vea que soy tolerante con las opiniones de los demás y las publico aunque no las comparta–. Y de paso me pregunto de qué sirve aprender mucho antes de mirar una obra, y abrevando de quién, porque a la luz de lo que acaba de suceder con el otro Coloso no parece que se pueda estar muy seguro de que los expertos son tales).

El Coloso, de Goya (I)

...parece que no es de Goya,
y está en el Museo del Prado, ¡pss...!

¡Gran alboroto gran!
La noticia salió en todos los medios, así que ya no es noticia.

Sabiondos habrá que estarán cortándose las venas por lo que han dicho y redicho, porque ahora los expertos afirman que «Con los conocimientos actuales, “El Coloso” solo puede identificarse como pintado por un seguidor de Goya. Por las iniciales A. J. puede ser del valenciano Asensio Juliá», que era uno de sus discípulos.

Está claro, por supuesto, que el valor comercial de una obra de arte varía según quién sea su autor; que no cuesta lo mismo una horrible cerámica taurina de Picasso que una bella porcelana de diseñador anónimo (la porcelana puede estar mucho mejor realizada, pero Anónimo tiene las acciones en baja). Sin embargo, eso sólo debería importarles a los compradores-vendedores de arte.

No obstante, entiendo que los expertos se esmeren en esclarecer quién es el autor, pero a los fines del espectador ignaro –que somos la mayoría– y del que, sin serlo del todo, va a los museos a ejercitar el arte de disfrutar el arte, poco importa si “El Coloso” es de Goya o no.

Si durante casi 80 años se lo tuvo por tal, algún valor verdadero debe de tener, y no va a perderlo porque lo haya pintado A.J.

Es más, yo solucionaría fácilmente el problema de la autoría. Cambiaría el cartelito por otro que dijera: “El Coloso (h. 1808-12) – atribuido a Goya”.

Me parece que lo mejor es mirarlo y disfrutarlo (o no), porque...
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...los especialistas y los críticos (y los entendidos en general) dicen muchas estupideces.

A mí me gustaría saber, por ejemplo, qué estarán diciendo ahora los encargados de las visitas guiadas, esos insufribles puropico que repiten como loros un libreto ideado para espectadores incapaces de distinguir un óleo de una acuarela, o de un tapiz, o de una escultura... ¡ooohhhh!, porque en realidad fueron allí para no desaprovechar la entrada –gratis– que estaba incluida en el tour.

¡Y esos mismos espectadores, que ayer querían ver “El Coloso” porque era de Goya y hoy quieren verlo porque no es de Goya!

E imagino también a los entendidos, otros insoportables que nunca faltan en los museos, siempre acompañados de un paciente adlátere al que le “explican” –para que todos los visitantes adviertan cuán entendidos son– qué rasgos característicos de un artista resaltan en la obra que están mirando.

(No sé por qué, pero esto suele suceder cuando se trata de una pintura; entendidos en esculturas, momias, coprolitos y esas cosas, hay pocos).

Así que me pregunto también qué estarán diciendo ahora estos otros puropico, y hago mi apuesta: “se notaba: la perspectiva no está bien lograda”, “la paleta es muy oscura, siempre te lo dije”, “la supuesta alegoría que pretendió hacer este pobre imitador pierde por completo su fuerza por la presencia de este asno que está aquí, inmóvil, ¿ves?...”, y otras entendideces por el estilo.

Por eso me atrevo a hacerle una sugerencia: mire y no escuche.

Si a usted le impacta lo que ve, si lo emociona, la obra (o el artista) ha cumplido su misión.

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Ah! por cierto, a mí me gusta el otro Coloso, el de la estampa... véalo.

viernes, 23 de enero de 2009

Salvador Dalí – 20° aniversario de su muerte.


Hoy, viernes 23 de enero de 2009, se cumplen dos décadas de su muerte.

"Yo soy el surrealismo", dijo.

“MADRID, (dpa) - Egocéntrico, excéntrico, rebelde y gran provocador, Salvador Dalí fue sin duda uno de los máximos exponentes mundiales del arte contemporáneo.
El viernes se cumplen 20 años de la muerte de un artista que, ante todo, intentó y consiguió con gran éxito no pasar nunca inadvertido. Tenía 84 años y formaba ya parte de la historia universal cuando la mañana del 23 de enero de 1989 falleció en el hospital de Figueres, en el noreste de España.” (Por Sara Barderas - nota publicada por lanacion.com-cultura).

¿Qué más se puede agregar?
A mi entender: nada.
Hay que ver su obra. El genio no se puede explicar con palabras.

Aquí le dejo un video.

jueves, 22 de enero de 2009

El Louvre – PEINES DE COEUR D’UNE CHATTE ANGLAISE, de Balzac

“El Louvre, inspiración para la ficción”

“El museo parisino encargó a seis escritores que escriban textos a partir de diversas obras maestras del arte que posee la institución.”
Así dice una nota aparecida hoy (22/01/09) en lanación.com/cultura.

“París, 21 ene (EFE).- El Louvre presenta hoy la obra de seis autores a quienes encargó la escritura de otras tantas piezas de ficción, a condición de que enfocasen su inspiración en relación con alguna de las obras que expone el museo.”

“En un comunicado, el Louvre recordó que la experiencia no es totalmente inédita pues autores como Marcel Proust, en su libro "En busca del tiempo perdido", ya utilizaron el arte, en concreto de Vermeer, como elemento de inspiración literaria.”

Es cierto que el recurso no es nuevo, pero es interesante. En 1840/42 un editor de París, Hetzel, pidió a varios escritores que escribieran historias cortas basadas en los dibujos de animales de un extraordinario ilustrador francés: J. J. GRANDVILLE.
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Entre los convocados, el más famoso era BALZAC, y suyo es el relato “PENAS DEL CORAZÓN DE UNA GATA INGLESA”, que a su vez fue inspirador de una ópera del argentino Alfredo Arias.

La obra de Balzac no se consigue por ahora (excepto en francés), pero sé de buena fuente que está a punto de aparecer (casi seguro en la Feria del Libro) una edición en castellano, con los grabados de Grandville.

Habrá que estar atento; conozco el texto y es excelente (tiene humor, ironía – se burla de la respectability inglesa de la época) y las ilustraciones son bellísimas.

jueves, 25 de diciembre de 2008

Arte Kitsch (II) – De mi colección

En un post anterior he comentado que me gustan algunos objetos kitsch y he prometido ir mostrando los que contribuyen a embellecer mi casa, o al menos a hacer reír a los visitantes, que no es poco decir.

Agrego aquí, a manera de definición muy simplificada, que para mí "kitsch" es sinónimo de "hortera con pretensiones"; pero no se me escapa que actualmente se le llama kitsch a cualquier cosa de mal gusto.

En fin, aquí le presento dos objetos más. El primero es una pavada que no hace daño a nadie; el otro es hortera con pretensiones.
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OBJETO: Llavero.
CATEGORIA: Uso personal (solo para personas valientes).
PROCEDENCIA: Vaya uno/a a saber.
LUGAR DE ADQUISICIÓN: No sé, fue un obsequio.
PRECIO: Desconocido – ¿ U$S 2 ?
COLECCION: Viviana F.
DESCRIPCION: Pieza de plástico de corte hexagonal que simula una pecera con un simpático pescadito.
TAMAÑO: 4 cm de altura.

La pieza de museo:
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OBJETO: ¿Alhajero?
CATEGORIA: Adorno.
PROCEDENCIA: Germany – Numerada: 7742, dice en la base (para que los potenciales compradores supongan que es una pieza valiosa).
LUGAR DE ADQUISICIÓN: Desconocido. Apareció en la casa familiar por degeneración espontánea.
PRECIO: Desconocido – Tal vez podría comprarse por U$S 2 en una feria de pulgas.
VALOR: Es lo que hay que tener para exponerlo en una vitrina.
COLECCION: Viviana F.
DESCRIPCION: Hortera con pretensiones. Pieza de porcelana de pésima calidad, con florecitas que imitan la decoración de la buena porcelana alemana. Es un pez con el morro chato y el cuerpo ahuecado, y parecería que le falta una tapita. Quizá haya sido pensado (?) como alhajero. Inenarrable.
TAMAÑO: 16 cm de largo.
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Aquí se lo dejo para que lo disfrute.

lunes, 22 de diciembre de 2008

Fermín Eguía - Gatos pintores y otros temas

Gatos pintores y otros temas es una exposición de Fermín Eguía, que puede verse en la Galería Francisco Traba, Marcelo T. de Alvear 819, Buenos Aires, hasta el miércoles 24/12/08.
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Felis Pictor (Óleo sobre tela)
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Dice el diario La Nación: El artista, reconocido por su capacidad de plasmar universos fantásticos, a veces inocentes, a veces provocativos, muestra ahora 24 pinturas, muchas protagonizadas por gatos o gatas con actitudes casi humanas: pintando desaforadamente con paleta en mano (perdón, en pata), intentando agarrar un pez que está en una pecera, posando cual maja desnuda y más. A la pregunta de por qué pintar un gato pintando, Eguía contesta con picardía: "Porque me place. O porque no sé pintar como él. Admiro sus pinturas, si es que las hay. No veo por qué no puede haber una estética felina, tal como algunos afirman".
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Gata posando (Lápiz y acuarela sobre papel)
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Estuve viendo hoy (22/12) esa muestra y algunas obras me gustaron mucho (las malas lenguas no podrán decir que toda el arte contemporánea me viene mal... a veces me place), así que me apresuro a pasarle el dato, por si confía en mi juicio.
Aquí le muestro unas fotos de algunos cuadros (las tomé del catálogo; sepa disculpar la mala calidad).
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La rata desnuda (Acuarela sobre papel)
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También en el catálogo figuran estas reflexiones del pintor:

“Que el gato pinte no es novedad, tampoco que vea y opine sobre el mundo que ve. Si se averigua un poco sobre los gatos, nos damos cuenta cuán vastos son los testimonios de los humanos sobre ellos, así como de los propios gatos sobre las cosas más diversas y, naturalmente, también sobre nosotros, sus amos, y también sus servidores.
Léanse por ejemplo: “Opiniones del gato Murr” de E.T.A. Hoffmann, o “Yo, El gato” de S. Natsume. Véanse también sus pinturas y sus curiosas aventuras estéticas.
Se dice que al abandonar nuestra animalidad perdimos el lenguaje que compartíamos, gatos y hombres, en aquel remoto mundo. De ahí que con ellos tengamos, por lo general, pocas relaciones inteligentes. Al dejar la barbarie creció nuestra humana arbitrariedad, y nuestro género se erigió entonces sobre domesticaciones y crueldades sin número. A los gatos se los adora, pero también se los apalea.
Pero luego de estas amargas digresiones, el gato que muestra aquí su silueta para ser pintado pintando, tiene más parentesco con el Gato Félix, Tom o el Gato con Botas. O con cualquier otro gato de consumo masivo.
El tema del gato puede ser ligeramente risueño y, como contraparte, una tenebrosa Rocambolesca, O bien, el macabro paseo del pincel por el camposanto. Que les entretenga.” F.E.
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Cleto y el gato.
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La lección de Fu-Manchu (Acuarela sobre papel)
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Vida Sueño Breve (Acuarela sobre papel)

domingo, 21 de diciembre de 2008

Horace McCoy – ¿Acaso no matan a los caballos? (con video)

En una nota anterior “saqué de contexto” el título de un libro de Horace McCoy, ¿Acaso no matan a los caballos? y lo utilicé arbitrariamente por razones que tal vez puedan atisbarse allí.
Ahora voy a comentar en serio esa excelente obra.

El relato está ambientado en los EEUU, en la época de la gran Depresión originada en la década del ’30, y cuenta la historia de un joven condenado a muerte por haber matado a una mujer, a pedido de ella.

El argumento es como sigue:
Jóvenes sin trabajo y sin medios de vida intervienen en una competencia de baile, cuyo premio son mil dólares; durante el tiempo que dure la competencia, tienen asegurada, además, la comida.
La condición imprescindible es bailar o al menos mantenerse en movimiento durante una hora y cincuenta minutos seguidos; luego los participantes tienen diez minutos de descanso (durante los cuales deben cubrir todas sus necesidades, inclusive dormir); y finalizado ese tiempo deben volver a la pista de baile.
Un equipo de enfermeras y médicos está allí para asistir a quienes caen; si estos logran reponerse vuelven a la pista de baile, si no, quedan descalificados.
Así, las parejas van siendo eliminadas.

Podría decirse que la competencia es a muerte, y para que el espectáculo sea más atractivo (?) los organizadores exigen a los participantes que corran carreras pedestres y hasta le pagan cien dólares extras a una de las parejas para que se case ante el público, en una ceremonia que realiza un sacerdote.
El público paga entrada para ver el espectáculo.

Y no cuento el final por si usted desea leer el libro y prefiere no conocer el desenlace de antemano.

Recomiendo la lectura de ¿Acaso no matan a los caballos?
Es una joyita muy bien narrada y hábilmente estructurada, escrita en 1935.
Libro corto, puede ser leído completo, a velocidad media, en alrededor de dos horas.
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En fin, esa feroz crítica al comportamiento de la sociedad norteamericana no agradó al stablishment y el libro de McCoy cayó en el olvido durante años.

A los pudorosos norteamericanos no les gustó que alguien les pusiera un espejo delante.
(Nótese que ‘pudoroso’ viene de pudor, y que este último término tiene dos acepciones).

Pero no debemos escandalizarnos. El Hombre se degrada voluntariamente de muchas maneras. Algunos prefieren no reconocerlo y otros disfrutan mirando esas degradaciones.

Por ejemplo, en más de un país existen los espantosos reality shows –al estilo de Gran Hermano–, Bailando por un sueño, Patinando por otro sueño; en la Argentina hemos tenido Odol pregunta, Si lo sabe, cante, Yo me quiero casar ¿y usted?, etc.; y en casi todo el mundo existen espectáculos “deportivos”, como los de boxeo, en los que de cuando en cuando muere alguno de los participantes.

Parecería que el Hombre es capaz de hacer cualquier cosa por obtener fama y/o dinero.

Aunque, bien mirado, tal vez es para lo único que hace algo.

Sin embargo, esto último conviene no admitirlo, porque según dicen los entendidos el Universo ha entrado en la Era de Acuario, donde la tendencia es la Espiritualidad...

Parece que todos vamos lentamente hacia un mundo de Paz, de Amor, buscando el Nirvana (que ningún occidental sabe qué es, pero no importa); y para lograr esas cosas debemos leer muchos libros, en especial de ‘Metafísica’ (pero no la de Aristóteles, por favor, ¡no lo permita dios!); y tenemos que sentarnos en la posición de loto, cerrar los ojos y meditar (no se sabe bien cómo o acerca de qué, pero meditar); y si con todo eso no nos pasa nada especial, siempre podemos suponer que es porque estamos en nuestra primera encarnación y nos falta experiencia de vidas pasadas; entonces, aprovechando la posición de loto, tenemos que extender los brazos hacia los costados y decir “OHMMM... OHMMM....”

... y mantener los ojos cerrados, bien cerrados... no vaya a ser que la realidad nos sacuda un cachetazo y tengamos que acallarla, como hicieron los norteamericanos cuando apareció la obra de McCoy.
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¿Acaso no matan a los caballos? despertó del sueño de los justos en 1969, cuando Sydney Pollack tomó el argumento para hacer una película.

Aquí le adjunto un video de esa película, titulada “They shoot horses, don't they?”, traducido como “Baile de ilusiones” y también como “Danzad, danzad, malditos” (al final está la ficha técnica).



Nombre original: They shoot horses, don't they?
Director: Sydney Pollack
Origen: Estados Unidos
Año: 1969

lunes, 15 de diciembre de 2008

Graffiteros, artistas urbanos en Parque Lezama

Buenos Aires, sábado 13 y domingo 14 de diciembre de 2008.

“Una tormenta de formas y colores estalló este fin de semana frente al Parque Lezama. Unos 40 artistas urbanos tomaron el largo paredón que comienza en la esquina de Balcarce y Brasil, baja por esa calle hasta Paseo Colón y dobla la esquina hacia el lado de la avenida Garay.

“Los graffiteros, artistas que pintan con aerosol, organizaron el encuentro junto con el Ministerio de Cultura porteño, que sostiene que así se le agrega al barrio un atractivo turístico, además de fomentar la actividad artística. (Clarín).

“…el gobierno porteño proveyó de aerosoles a los "artistas urbanos" previamente seleccionados para que participaran de la gran obra colectiva.

“Según explicó a LA NACION el arquitecto Luis Grossman, director general del Casco Histórico, la mitad de los artistas seleccionados tienen una trayectoria reconocida. Son muchos de los que pintaron sobre la avenida Paseo Colón, como Cray Fish, Zear One, Maze, Teko, Shonnis, Dano, Juan Abba, Jazz, Nerf, Link, Dres, Cast144, Daibo, Ever, Poeta, Marte, Roma, Cabe y Dame.”
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Cray Fish, el sábado al mediodía, comenzando su obra.
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Cray Fish, el domingo por la tarde, continuando.
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Creo que este muchacho es Dano -el domingo por la tarde-, su mural está al lado del de Cray.
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Domingo por la tarde. No sé quién es el autor (perdón), pero me gustó mucho -está al otro costado del de Cray-.
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Cray Fish, el domingo por la tarde, dando los toques finales a su obra.
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Me gusta mucho lo que hacen estos muchachos.
Estuve mirando cómo trabajan y algunos, realmente, son muy buenos.
Además, con su arte (yo creo que lo es) le ponen un toque de color, de creatividad y de fantasía a la ciudad, en lugares donde a nadie pueden molestar.
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¡Mis felicitaciones a todos!
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No estoy de acuerdo, en cambio, con los graffiteros que "mamarrachean" los frentes de casas y edificios .

domingo, 14 de diciembre de 2008

Escultura en homenaje a Borges

Tal como había sido anunciado, el 12 de diciembre de 2008 se inauguró en Lisboa, en los jardines del Arco do Cego, una escultura en homenaje a Jorge Luis Borges.

Se trata de un monolito geométrico de granito que tiene incrustado en su parte superior un molde que reproduce en bronce fundido, bañado con oro, la mano del genial escritor.

Además, la escultura tiene grabado, en español y portugués, el poema "Los Borges", en el cual el escritor se refiere a sus ancestros portugueses.
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La obra fue creada por el artista argentino Federico Brook, quien dijo a la agencia EFE que “representa la mano creadora del poeta, coronada por una nube que simboliza el espíritu del hombre".

Además Brook comentó que debido a su gusto por las nubes, Borges creó en 1985 un poema que le dedicó (?).

Con esta escultura, la Casa de América Latina conmemora su décimo aniversario en Lisboa.
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En el homenaje estuvieron presentes la viuda del Borges, María Kodama; el escultor; el alcalde de Lisboa, Antonio Costa; el secretario general de la Casa de América Latina, Mario Quartim Graça; y el Premio Nobel de Literatura José Saramago, –entre otros–.
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Según Europa Press, Saramago destacó que Borges es "un gran escritor y humanista" que "descubrió la literatura virtual". Un concepto que el autor luso reconoció que le es difícil de explicar, pero que se aplica a la prosa y a la poesía en la medida en que "hay mundos que existen a partir del momento en que Borges los creó", por tanto –dijo– es "el último gigante literario del que se puede hablar".
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Ahora bien:
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Suponiendo que las frases encomilladas del último párrafo estén bien traducidas –pues Saramago no habla español, que yo sepa– no entiendo el concepto de “literatura virtual”, y haciendo un esfuerzo por comprender la idea me parece que Borges no es el único creador de mundos de ficción.
Pero como todo lo que hace/dice Saramago parece estar bien, pues ahí le dejé sus palabras.

Párrafo aparte merece el comentario del escultor, que parece que dijo que Borges le dedicó un poema acerca de las nubes, escrito en 1985 (ciertas notas de prensa reproducen algunos versos).

Buscando en las “Obras Completas” de Borges, encontré los versos aludidos y vi que, efectivamente, los escribió en 1985. Forman parte de su libro “Los Conjurados”, donde hay al menos dos poemas referidos a las nubes, “Nubes (I)” y “Nubes (II)”.

PERO dicho libro comienza con una “Inscripción”, cuyo segundo párrafo comienza así:
“De usted es este libro, María Kodama.”

Y el tercer párrafo es el siguiente:
“Solo podemos dar lo que ya hemos dado. Solo podemos dar lo que ya es del otro. En este libro están las cosas que siempre fueron suyas. ¡Qué misterio es una dedicatoria, una entrega de símbolos!” J.L.B.

jueves, 11 de diciembre de 2008

Una escultura reúne a Borges con sus ancestros portugueses

Así titula el diario Clarín (de Argentina) una nota publicada por Julio Algañaraz, que da cuenta de que el viernes 12 de diciembre de 2008, en un parque de Lisboa, frente a la embajada argentina, va a inaugurarse una monumental escultura en memoria del más grande escritor argentino -y uno de los mejores del mundo-, Jorge Luis Borges.

La obra fue realizada y donada por otro argentino, el escultor Federico Brook, quien imaginó “un gran monolito geométrico en granito que emerge de la tierra hacia el alto, la luz y la ligereza".
En la parte de atrás de la escultura, está escrito, en castellano y portugués, un poema que el genial creador dedicó a sus ancestros, “Los Borges”.
Y en la cavidad piramidal está encastrada una réplica de su mano inigualable.

La siguiente es una foto de Borges, en 1985, en el estudio del escultor, mientras ofrecía su mano para que le tomaran la impronta.
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La idea original de la escultura fue de la viuda de Borges, María Kodama, que financió la fundición del calco de la mano de su marido y que estará presente en la inauguración, en la que hablará el premio Nobel de Literatura, José Saramago, que merece nota aparte…

El poema referido a los ancestros es el siguiente:

Los Borges

Nada o muy poco sé de mis mayores
portugueses, los Borges: vaga gente
que prosigue en mi carne, oscuramente,
sus hábitos, rigores y temores.
Tenues como si nunca hubieran sido
y ajenos a los trámites del arte,
indescifrablemente forman parte
del tiempo, de la tierra y del olvido.
Mejor así. Cumplida la faena,
son Portugal, son la famosa gente
que forzó las murallas del Oriente
y se dio al mar y al otro mar de arena.
Son el rey que en el místico desierto
se perdió y el que jura que no ha muerto.
J. L. Borges
EL HACEDOR (1960)

martes, 9 de diciembre de 2008

Arte kitsch

Me gustan los objetos kitsch, pero no todos…

He notado que, últimamente, se califica de kitsch a cualquier objeto de mal gusto, en especial si es de plástico, no sirve para nada, o si se trata de souvenirs de lugares por donde el turista ha pasado, o no: es decir, de objetos que compró donde estuvo.

Así por ejemplo, en Buenos Aires pueden comprarse pequeñas torres Eiffel hechas en plástico transparente; en Ushuahia (patagonia argentina), pesebres de papel mâché de estilo colla (una cultura del norte); mates hechos con calabazas, y yerba mate marca “Ushuaia – la ciudad más austral del mundo” (productos típicos de la mesopotamia argentina); animalitos tallados en piedras semipreciosas (que no son del lugar), v.gr. tucanes, leones, rinocerontes, fauna muy típica de la zona sur de la Argentina, por supuesto… y montones de otros cachivaches que, felizmente, no recuerdo.

Estos objetos son, casi siempre, horribles, no sirven para nada, y en algunos casos, hasta son caros.

Y además se les llama kitsch a otro tipo de objetos, generalmente de plástico o de cualquier material barato, de esos que venden en las tiendas de regalos o en los bazares de medio pelo; estos también suelen ser horribles, solo que por general cuestan muy poco (y valen todavía menos).

Pero, como puede leer aquí, el kitsch es otra cosa.

Y los objetos de ese estilo, tomado en broma, son los que me gustan a mí.
Aquí le presento algunos de mi pequeña colección, para que se divierta un poco.
OBJETO: Jarra de cerámica.
CATEGORIA: Bazar, picardía inocente.
PROCEDENCIA: Brasil.
PRECIO: Desconocido.
COLECCION: Museo de la Ciudad – Buenos Aires (Argentina).
DESCRIPCION: Jarra cervecera de la década de los 60. Su realización denota que el artista rendía un sentido homenaje a la corriente estética del kitsch.
TAMAÑO: 16 cm de altura, aprox.


ESTA ME PERTENECE
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OBJETO: Jarra de cerámica.
CATEGORIA: Bazar, picardía inocente.
PROCEDENCIA: Desconocida.
LUGAR DE ADQUISICIÓN: Feria de Pulgas de San Telmo (Buenos Aires).
PRECIO: 12 U$S.
COLECCION: Viviana F.
DESCRIPCION: Pequeña jarra lechera. Los pezones sirven de picos vertedores para que la leche salga por donde corresponde…
(El asa está en la "espalda").
TAMAÑO: 11 cm de altura.

Y ESTA ES MI PREFERIDA...

OBJETO: Jarra de cerámica (de buena calidad).
CATEGORIA: Bazar, picardía inocente.
PROCEDENCIA: Japón.
LUGAR DE ADQUISICIÓN: Feria de Pulgas de la Plaza Matriz (Montevideo).
PRECIO: 23 U$S.
COLECCION: Viviana F.
DESCRIPCION: Pequeña jarra para beber lo que se le ocurra. Si la toma con la mano derecha, al inclinarla, sus labios son rozados por los pechos (móviles) de esta dama cuyo torso puede hacer pensar tanto en la Venus de Milo como en la Victoria de Samotracia.
TAMAÑO: 12 cm de altura.
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En otros posts voy a mostrarle más joyitas...

viernes, 28 de noviembre de 2008

ARTE CONCRETA - Peines de cœur d'une chatte anglaise

(Hoy escribe el otro-yo).

Lamento tener que comunicar a nuestros estimados lectores que la editora sigue enfurruñada con las diversas formas de expresión del arte contemporánea y que ahora ha declarado seguir una tendencia que ella denomina "de arte concreta".

El arte concreta existe. No es una invención de la delirante dueña de este blog, pero por si usted no sabe de qué se trata, aquí le presento un video del MAM (Museo de Arte Moderna, de Sao Paulo, Brasil).



Y ahora que lo vio –si no lo hizo todavía está a tiempo–, voy a mostrarle una primera aproximación a la última obra creada por la susodicha, supuestamente de arte concreta, para que se vaya formando una idea de la nunca vista (por suerte) creatividad de esta insólita artista.
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A mi ver, se trata de una ventana obturada con ladrillos y una mezcla común para albañilería, lo que permite pensar que una cosa concreta es.

No obstante, estuve indagando y he podido averiguar que para realizar su obra, la artista ha estado revolviendo una mezcla de agua, arena, cal y cemento, y mojando y "cargando" los ladrillos con la pegajosa pasta, que con precisas indicaciones iba entregando al albañil encargado de colocarlos en el buraco del ventanuco, pues tal operario fue un doctor –de esos que en algunos países llaman “profesor”–, apodado el Alacrán, que nada sabe de la técnica de la construcción con ladrillos.
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Pude saber, también, que durante el tiempo que demandó la producción de la genialidad que motiva esta nota, el vecindario fue alborotado por desgarradores maullidos.
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No obstante, la obra quedó concluida según las reglas del arte (del arte de la albañilería) y luego la artista manifestó públicamente el desasosiego de cierta Minina por la pérdida de la ventana.
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Pero más concreta que la obra es la circunstancia de que una ignota gramática haya estado oficiando de “media cuchara”. ¡Qué bochorno!
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Tal vez por eso y para consolarla, BAFEA, la musa inverecunda, acudió pronta a llenar su calenturienta azotea de extrañas concepciones.
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Aquí le muestro la obra terminada, con las especificaciones aportadas por su creadora.
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Título:
Peines de cœur d'une chatte anglaise
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Arte concreta.
Autora: una incomprendida más.
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Técnica: albañilería.
Materiales: ladrillos, arena, cal, cemento, agua y libros.
(Los libros: Cien años de soledad; Confesiones, de San Agustín; Tragedias, de Esquilo; Treinta siglos de literatura; La brujas y su mundo).

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(Por favor, si usted la entiende, explíqueme. He visto en diversos museos de arte montones de bazofias parecidas y nunca supe qué pretendían decir).

martes, 25 de noviembre de 2008

ARTE EFÍMERA - ¿Acaso no matan a los caballos?

(Hoy escribe el otro-yo)

“Me tienen podrida, me tienen” –dice la i-responsable haciendo gala de su pericia lingüística– y yo le digo que se calle, que no me haga pasar vergüenza; pero insiste.
Dice que cada vez que sale de una exposición o de un museo de arte siente muchas ganas de vomitar, y yo le digo que se calle, que vomitar no es una palabra elegante, que la gente educada no habla así; pero insiste. Dice que las palabras son neutras y que la gente educada es hipócrita y que el arte contemporánea es...

Mejor no escucharla, porque anda medio enojada y se pone insufrible, se pone, ¡huy, perdón!, la dejé escapar…

La editora ha decidido que ella es una creativa de vanguardia “onda” siglo xxi y, como tal, se entiende ella sola.

Quienquiera que vea sus “obras” tiene derecho a pensar que está chiflada, pero ella insiste en que tienen un sentido profundo, y en que la limitación está en los observadores, que no cuentan con la formación humanística adecuada para comprenderla.

Dice que la finalidad de su arte –que la descubrió mientras se estaba bañando– es mantener el mundo limpio de basura pseudo-artística, y que por eso utiliza para sus creaciones elementos de uso cotidiano, que tan pronto como la muestra es desmontada pueden volver a cumplir su función primigenia.

Y ahora me ha intimado bajo amenaza de despido a que publique una fotografía de su última “obra”, que ella llama “de arte efímera”.

Así que, como trabajo a sueldo –porque los otros-yo también tenemos que comer–, me veo obligada a hacer su voluntad.
Aquí van la foto y la descripción aportada por la artista:
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Título:
¿ACASO NO MATAN A LOS CABALLOS?
(estudio preliminar)
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La autora: una incomprendida cualquiera.
Estudios técnicos cursados en la Escuela del Ama de Casa.

Características:
Arte efímera.
Materiales mixtos.
Inspiradora: BAFEA –LA MUSA INVERECUNDA–, NUMEN DE LOS ARTISTAS PLÁSTICOS.
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Se quejó también la i-responsable de que el Alacrán, un venenoso sujeto de su conocimiento, que es experto en interpretar a artistas de las más caprichosas y abstrusas tendencias, fue incapaz de comprender Su Obra, y de que dando muestras de una intolerancia más típica de un retrógrado escolástico que del agudo crítico que es, la calificó (a ella, no a la obra) de ENTE, y que contra toda razón, especificó ENTE PARITARIO (¿o parasitario? – no recuerda bien).
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¡Andá, entendelos! a los “artistas” y a los “críticos”.

A mí las dos especies me tienen harta con tanta basura.

jueves, 20 de noviembre de 2008

BIENAL de Sao Paulo - 2008

Aclaración preliminar:
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Para taparles la boca a mis opositores -que los tengo-, comienzo declarando formalmente que soy una mala bestia que nada sabe de arte, o comoquiera que se les llame a las modernas expresiones estéticas (?).
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Digo esto porque voy a exponer aquí mis opiniones personales, cosa que creo tengo derecho a hacer pues, según mi modesto parecer, no le hago daño a nadie con mi manera de entender/no entender esas expresiones.
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Así que si os gustan, bien, y si no, pues mala suerte.
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Y ahora sí, comienzo mi relato.
Estuve aquí:
Como véis, la Bienal de Sao Paulo se llama así: BIENAL, solo BIENAL, es decir, que se produce cada dos años; de arte, nada. ¿O acaso lo dice?
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Supongo que lo de asociar la Bienal de Sao Paulo con una bienal de arte deviene de cierta analogía con otras exposiciones -por ejemplo la Bienal de Venezia-, o de asimilar la sala donde se realiza la de Sao Paulo con los museos de Arte Moderna y de Arte Contemporánea que se encuentran en el mismo predio, en el Parque Ibirapuera; pero, como sea, se hacen allí exposiciones de algo que algunos llaman arte y que yo no entiendo.
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LA HISTORIA ES COMO SIGUE
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La muestra Bienal de Sao Paulo, 2008, está dando que hablar, y mucho.
El edificio está formado por tres plantas.
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En la planta baja hay áreas de servicios (guardarropa, baños, bar, etc.) y los sectores restantes están destinados a la exposición.
Puede uno trasladarse de un piso a otro mediante las rampas que véis en las siguientes fotos...
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...o bien mediante unas estrechas escaleras mecánicas.
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Pero como para llegar desde la planta baja hasta la segunda planta -la más alta- es imprescindible pasar por la planta del piso intermedio, el asombro y/o la bronca se adueñan del ánimo de los visitantes que descubren que la sala del primer piso está completamente vacía.
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Dicho así puede parecer una zoncera, claro, pero resulta que esa sala tiene la friolera de 12.000 metros cuadrados... ¡vacuos!
Solo están las columnas que sostienen la estructura y la escalera mecánica.
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Para que os déis una idea: 250 m de largo por 44 m ancho, aproximadamente, tomada la medida del ancho con pasos de hombre y deducida la otra.
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Aquí os la muestro: UNA VERDADERA MARAVILLA, y lo digo sin ironía, ¡que conste en actas!
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Y ahora os transcribo parte de una nota aparecida en EL PAÍS.com – CULTURA, pues en ella está muy bien expresado lo que ví y sentí, y como además está bien escrita, pues aquí va:
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São Paulo, la bienal del vacío
Un espacio sin obra es la propuesta más rompedora de la edición -
Se busca evidenciar la crisis del arte -
El resultado irrita y entusiasma por igual
ÁNGELES GARCÍA - São Paulo - 24/10/2008

Los 12.000 metros cuadrados de la segunda planta de la Bienal de São Paulo parecen el aparcamiento de un aeropuerto moderno a la hora de menor tráfico aéreo. Un vacío total. Solo roto por dos filas de columnas y cercado por grandes cristaleras a las que se asoman azaleas gigantes. Tal como había anunciado hace meses el comisario de la cita, Ivo Mesquita, la propuesta de este año es la nada. Con este gesto se pretende evidenciar la crisis del arte actual. De ese modo, cada cual puede imaginar su propuesta. O, quién sabe, quedarse con la mera experiencia arquitectónica.

Puede ser, como sucede mucho en el arte últimamente, el colmo de la democracia cultural. O el colmo de la cara dura. "En el mundo hay más de doscientas bienales", argumenta Mesquita, "que parecen estar interesadas en ver cuál es más grande. Creo que en este momento, una bienal solo tiene sentido si demuestra capacidad analítica y crítica".

En las otras dos plantas que conforman la propuesta, sí hay obra. La de 42 artistas procedentes de 22 países. (…)

El pabellón de la bienal, uno de los edificios más espectaculares y representativos de Óscar Niemeyer, está en la zona alta de São Paulo. Imponente y rodeado de vegetación, la paz que forman el blanco y el verde se rompe permanentemente con el tráfico infernal que desde primera hora sufre esta ciudad cuya área metropolitana pasa de los 23 millones de habitantes. Pese al molesto concierto de motores, el ruido de los helicópteros que desplazan a los ejecutivos o el fuerte olor a gasolina quemada, ni la polución ni otras molestias del mundo contemporáneo son los temas de esta bienal. Ni ruido ni olor. La estrella es el vacío. Ivo Mesquita aclaró ayer que su propuesta de jugar con el vacío no tiene nada que ver con la crisis económica ni con la que sufre esta institución. "Esa segunda planta está llena de luz. Es una invitación a crear y a imaginar. Creo que es una experiencia arquitectónica que juega con el edificio de Niemeyer. Así hay que verlo". (...)
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Hasta aquí la nota aparecida en EL PAÍS.com, que comparto, excepto en cuanto a que en las otras dos plantas que conforman la propuesta, sí hay obra.
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Eso sí que no lo admito: en las otras dos plantas hay basura, porque habéis de saber que si lo que allí muestran son obras, pues yo soy Nat King Cole -y os invito a que miréis mi foto al costado derecho del blog para que os convenzáis...-.
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Lo primero que se ve al acceder al sector de exposición de la planta baja, es esto:
La muestra que "abre" la exposición es la que está en el piso: una colección de basura, pero basura de verdad, no vayáis a creer que estoy exagerando: etiquetas/marbetes de diferentes productos, bolsas de plástico de las que entregan en las tiendas para trasladar la mercancía -bien estiraditas, eso sí-, latas vacías, etc., es decir, las cosas que desecharíais luego de consumir algo pero -he de admitir- todo cuidadosamente acomodado... y el artista, para no ser menos, se expone junto a su obra (es el pelado que está de frente, a la izquierda según véis la foto, junto a una columna - ¿se considerará una basura más? - Si os provoca saber quién es, podéis buscar en la web, que hasta hay videos de YouTube).
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Y de otras formas estéticas o antiestéticas semejantes está llena la Bienal.
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En la planta más alta fotografié esta:
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La manchita que apenas se aprecia casi en el centro, en la mitad superior de la foto, a la izquierda de la columna, es esto:

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Y puesto que resto de la exposición reúne adefesios del mismo estilo artístico...
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¡QUE VIVA EL ESPACIO VACÍO!

domingo, 28 de septiembre de 2008

Tango para Libertad - ¿Artes plásticas?

La cosa fue por Manhattan
la llamaban Libertad.
No hubo muchacha más guapa...
con marines a enviar.
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Libertad la de Manhattan,
que me trajo bienestar.
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Soy Homero el regordete,
bastante mayor de edad.
Conocí mejores días
de esplendor del capital.

Simpson para los amigos
pa, lo que gusten mandar.
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Hoy nacionalizo empresas,
qué mal gusto por favor;
con bananas en el mate
y un bozal como morral.
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¡Qué porrazo, mamma mía,
que se pegó Libertad !
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Bs. As., septiembre de 2008.
Mi agradecimiento a Carlos Bahr y Roberto Garza, autores de “Soledad la de Barracas” (tango 1945).


Eduardo Leonetti.